01/08/2005 – Pinakotheke –Rio de Janeiro – Libro – Nereide Schilaro Santa Rosa

Arte Nipón, un encuentro que funcionó (Haga clic para ver el artículo original)

El recorrido del arte brasileño cruza los caminos de la inmigración. No se puede negar la importancia de los artistas inmigrantes que ayudaron en el desarrollo de las artes en el siglo XX. Italianos, y principalmente los japoneses contribuyeron a la evolución artística que asistimos a lo largo del siglo pasado en nuestro país.
 La motivación que el arte despertó en esos individuos que se encontraban lejos de su tierra natal, es prueba contundente de que el arte no tiene fronteras, ni barreras. Que el lenguaje de quien se expresa es universal y envolvente, y sobrepasa el tiempo y el espacio más allá de la línea y la forma.
Veamos un breve panorama sobre el arte brasileño aún sin la presencia de japoneses e inmigrantes en general. A falta de poco tiempo para Brasil celebrar sus 400 años. En las artes predominaban temas relacionados con hechos históricos de la época; Se pintaban escenas de costumbres y las personas de la corte imperial. Pero algunos artistas brasileños a finales del siglo XIX ya representaban en sus pantallas temas auténticamente brasileños; El hombre del campo, su modo de vida, su ambiente, su trabajo.
Sin embargo, a principios del siglo XX nacería el Modernismo, el más importante movimiento artístico brasileño. El arte moderno brasileño a principios del siglo XX tuvo como característica el rescate de la cultura nacional. Había una preocupación por mantener el carácter nacionalista. Pero, ¿dónde realmente los pintores modernos buscaron su inspiración? Sus ideas y sus ideales encontraron eco en la medida que expresaron al hombre brasileño, sus manifestaciones, sus costumbres, sus sonidos y sus imágenes.
Y ese hombre, mezclado, fruto de sangre inmigrante, se transformó en tema para el arte moderno. Fue digerido y transformado en arte vivo, rico, dinámico. Esta fue la forma de asimilar y expresar culturas y mostrar al mundo lo que es ser brasileño. Este era el principal pensamiento de todos. Los modernistas se empeñaron en rescatar la cultura nacional a través de diferentes lenguajes y formatos. La música de Villa-Lobos, la plástica de Tarsila do Amaral, la poesía de Oswald de Andrade, la escultura de Victor Brecheret y otros tantos, hicieron una revolución artística que por mucho tiempo influenciaría en las producciones de los artistas en Brasil.

El movimiento modernista en Brasil fortaleció las artes y los artistas plásticos. Salones, exposiciones, críticas y reflexiones sobre arte formaban parte del cotidiano de ciudades como Río de Janeiro, Recife, São Paulo, y algún tiempo después, Belo Horizonte. El movimiento artístico era tan intenso que el arte de pintar era valorado y enriquecido cada instante por nuevos artistas y propuestas. Como consecuencia, a partir de la década de 1930, los artistas brasileños empezaron a preocuparse en abordar los problemas sociales del país. Naturalmente surgieron asociaciones y grupos de artistas que se organizaban para estudiar, investigar, intercambiar informaciones y fortalecer su trabajo. Tanto en Río de Janeiro y en São Paulo, las artes estaban en pleno desarrollo, con destaque para la participación de artistas inmigrantes, ya que su presencia era muy significativa, principalmente en São Paulo. Grupos como Santa Helena, Núcleo Bernardelli y Familia Artística Paulista se organizaban en busca del fortalecimiento del papel de las artes en medio del escenario político social de ese período. Evidentemente, los inmigrantes no podrían distanciarse de todo ese movimiento, era natural que se acercar a las artes, tal como ocurrió.
Las décadas de 1930 y 1940 en el siglo XX son muy importantes para la cultura nipona en Brasil. Fue precisamente en ese tiempo que un grupo de artistas japoneses se destacó debido a su iniciativa en estudiar, intercambiar ideas y compartir sus experiencias artísticas. Yoshiya Takaoka que ya frecuentaba el Grupo Santa Helena en el centro de São Paulo desde 1931, formado esencialmente por artistas italianos y españoles, no tardó mucho para percibir que la presencia nipónica en la ciudad era marcante, lo que le llevó a encontrar a sus compatriotas interesados ​​en arte .
“De la comitiva de los artistas japoneses que formaron y afirmaron la Escuela de la pintura nipona en São Paulo, hoy florida y apreciada, Yoshiya Takaoka fue el maestro, uno de los primeros en radicarse en la capital, y por eso precursor e indicador de cómo se ambientar y Que se ha comportado a los contenedores que apenas andaban apareciendo, de numerosos colegas fue cordial profesor. Aquel que, teniendo extraordinaria experiencia en la técnica pictórica y de la acuarela, proporcionó clases y auxilio. De buen temperamento, paciente, siempre dispuesto a prestar sus notables socorros en todos los casos Se puede decir que Takaoka representó en la São Paulo de los años 1930 y 1940, figura característica, profesor de muchos jóvenes, entre ellos el gran Mabe cuando vino de Lins, de Jorge Mori, de Wega, su pintura la ejercitaba en la figura y En el paisaje con bravura y sensibilidad oriental, pero muy integrada en los modos occidentales: un japonés de espíritu, desarrollando su actividad en la metrópoli, que mucho le debe. El querido Takaoka deja un recuerdo agradecido y un nombre de artista entre los mejores que Japón le dio a Brasil “, agregó, amado sinceramente por todos los que lo frecuentan, reservado, un ser que Carlyle habría colocado en el sector de los tácitos silenciosos. Palabras de Pietro Maria Bardi en la presentación de Yoshiya Takaoka: vida, obras, testimonios. Edición Museo de Arte de São Paulo SP, 1980.
En el año 1935, Takaoka y sus amigos Hajime Higaki, Shigeto Tanaka, Takahashi, Tamaki y Tomoo Handa, decidieron fundar un grupo artístico. Se encontraban mensualmente para estudiar arte brasileño y contemporáneo, además de reflexionar sobre sus propias obras. Todos eran inmigrantes de diferentes localidades de Japón. Inicialmente, algunos fueron a vivir en el interior del Estado de São Paulo y luego vinieron a la capital, otros ya estudia en la Escuela de Bellas Artes. En la ciudad grande, urbanizada y en pleno desarrollo, la lengua japonesa y los dialectos de las diferentes regiones del Japón los acercaron, además del interés por la pintura, escultura y escenografía. Las reuniones ocurrían en el sótano de una pensión donde Handa trabajaba, en la calle Alagoas, 32, en el barrio de Higienópolis en la ciudad de São Paulo. El grupo se llamaba San Pablo Bijitsu Kenkyu Kai-Seibi (Grupo de Estudio de Artes Plásticas en São Paulo) o Seibi-kai, o, como se ha conocido, Grupo Seibi con frecuencia restringida a los nipones. Una característica del grupo fue la producción de auto-retratos y paisajes, característicos de la pintura figurativa, estilo que predominó bajo fuerte influencia del arte académico. Los artistas del Grupo Seibi, a pesar de ser discretos, participaban en los eventos y movimientos de arte que eventualmente ocurrían en la ciudad.
Pasado un año, Takaoka se mudó a Río de Janeiro y participó de otro grupo, ya con la presencia de artistas brasileños, llamado Núcleo Bernardelli donde tuvo clases con Bruno Lechowsky. Pero en São Paulo, el Grupo Seibi continuaba sus actividades y realizó su primera y única exposición de esa fase, en el Club Japonés, en el año 1938. Sin embargo, un hecho vino a conturbiar sus trabajos: a partir de la entrada de Brasil en la entrada de Brasil La segunda guerra mundial al lado de los países aliados en el año 1942, contra Japón, la colonia y, consecuentemente, los artistas nipones que vivían en Brasil sintieron los efectos del conflicto, restringiendo su presencia en todos los sectores de la sociedad. El grupo sólo regresaría a sus actividades años más tarde, en una segunda fase.
El advenimiento de la Segunda Guerra Mundial, además de provocar un hiato en las actividades del Grupo Seibi, provocó otra interesante consecuencia para el desarrollo del arte nipo-brasileño: la llegada de Tadashi Kaminagai, un consagrado artista japonés y ex-estudiante budista, a Brasil , Más específicamente a Río de Janeiro. El 7 de diciembre de 1941, mientras que Japón atacaba a Pearl Harbor, Kaminagai desembarcaba en Río de Janeiro. Y en el caso de que se trate de una de las más importantes. Kaminagai fundió la mirada oriental al europeo, ya que se convirtió en el pionero de la nueva Escuela de París en nuestro medio. El paisajista figurativo, no se adhirió a la abstracción, como sucedió con tantos otros de sus colegas. Fue a vivir en el barrio de Santa Teresa donde instaló un taller que también funcionaba como taller de marcos. A partir de entonces, comenzó a dar clases, y entre sus alumnos se destacaba una nueva generación de artistas brasileños: Inimá de Paula y los japoneses Flavio-Shiró y Tikashi Fukushima, entre otros. La primera exposición individual de Kaminagai ocurrió alrededor de 1945, organizada por Candido Portinari, en el Hotel Serrador, en Río de Janeiro.
Mientras tanto, un joven japonés llamado Tikashi Fukushima llegaba a la capital desde el interior de San Pablo, más precisamente de la ciudad de Lins, donde había conocido a otro joven llamado Manabu Mabe. En San Pablo, Fukushima se interesó en aprender una nueva profesión: hacer marcos. Oyó hablar de Kaminagai y se mudó a Río de Janeiro. Inmediatamente comenzó a frecuentar el taller de quien se convertiría en alumno, y con quien aprendería a construir marcos.
Finalmente la Segunda Guerra Mundial terminó y, en São Paulo, en el año 1948, el Grupo Seibi reanudó sus encuentros como taller colectivo y más aún, sus artistas comenzaron a dar clases de pintura. En los años siguientes, tanto Takaoka como Kaminagai y los otros artistas que se comprometieron al grupo, se involucraron cada vez más en las artes brasileñas, principalmente con la reanudación de las actividades del Grupo Seibi, que se fortalecía con los nuevos artistas japoneses y brasileños. Todo ese movimiento contribuyó al desarrollo de las artes en Brasil, dejando clara, la importancia de los artistas japoneses en nuestra historia y formación artística.
Al mismo tiempo, un nuevo grupo se formó en São Paulo, también involucrando a artistas japoneses y brasileños. Su nombre era Grupo de los 15, también conocido como Grupo del Jacaré. Se encontraban en la sala n ° 10, en la calle 11 de agosto, n ° 224, en el centro de la ciudad. La única exposición de este grupo de artistas se produjo en el Instituto de Arquitectos de São Paulo, con la participación de algunos pintores del Grupo Seibi como Takaoka y Handa, además de otros japoneses como Shigeto, Tamaki, Higaki, Masuda, Masato Aki, Takeshi Suzuki, Iwakichi Yamamoto, Masato Okinaka, Funaki, y los brasileños Joaninha Cunha Bueno, Ataíde Barros, Geraldo de Barros y Antonieta Barros. Más tarde, Flávio-Shiró, alumno de Kaminagai, Antônio Carelli, Alina Okinaka y Odette de Freitas también se unieron al Grupo de los 15. De alguna forma, el rasgo y el grafismo de los ideogramas orientales se volvieron elementos cada vez más presentes en las artes brasileñas .
En el momento en que Flavio-Shiró frecuentaba el Grupo de los 15, Tikashi Fukushima decidió regresar a San Pablo, donde se casó y continuó su profesión, abriendo una moldurería en el Largo da Guanabara en el barrio del Paraíso, donde hoy se ubica la estación del metro Paraíso . Fukushima vivía con su familia en esa fábrica de molduras, que fue conocida y muy buscada por los artistas de la época. Se realizaba molduras especiales, esculpidas la navaja y llegaba a combinar el color de la madera con la de los cuadros. En fin, realizaba un trabajo cuidadoso y bien exclusivo que cautivaba a los artistas de la ciudad. Cuando terminaba su trabajo, a menudo exponía los cuadros de los clientes para secar en una habitación delante de la casa. De sala de secado para sala expositiva, fue un pequeño paso. Y así surgió la primera galería de arte de la ciudad. Sus clientes, artistas japoneses y brasileños, se volvieron amigos y empezaron a encontrarse para conversar y estudiar arte en su casa. Formaron un grupo que se autodenominó Grupo Guanabara, activo de 1950 a 1959. La propuesta del grupo no era política, ni presa a patrones artísticos predeterminados. Todos participaban libremente. En el grupo, artistas japoneses e italianos: Alzira y Armando Pecorari, Arcángelo lanelli, Hajime Higaki, Jorge Mori, Takeshi Suzuki, Tamaki, Tikashi Fukushima, Tomoo Handa y Yoshiya Takaoka, estos últimos, integrantes del ya famoso Grupo Seibi.
El arte moderno seguía en pleno desarrollo. A finales de los años 1940, la ciudad de São Paulo había recibido dos grandes presentes: el Museo de Arte de São Paulo (MASP) y el Museo de Arte Moderno (MAM), lo que provocaba una turbulencia entre los artistas más conocidos, Entre los nuevos que buscaban enterarse de los acontecimientos y de los acontecimientos que ocurrían en la ciudad. El Grupo Guanabara no estaba ajeno a esos movimientos, pero allí se trataba libremente de un mestizaje de estilos y géneros que provocaba indignación en algunos críticos y admiración en otros. Los artistas intentaban participar en eventos y organizar colectivas. La primera ocurrió en 1950 en la galería Domus, y contaba con los nueve fundadores y más: Hajime Higaki, Jacyra Pereira de Campos, Jorge Mori y Kenjiro Masuda, totalizando trece pintores. Hasta 1959 se realizaron otras cinco exposiciones del Grupo, siendo que la última presentó veintinueve artistas. El Guanabara, en toda su existencia, llegó a tener treinta y cuatro participantes.
El Grupo Seibi renovado y el Grupo Guanabara, de cierta forma colaboraron para la fuerte tendencia abstracta que iba a explotar con gran fuerza a partir de la I Bienal de São Paulo en 1951, el mayor evento artístico brasileño. Con gran énfasis en el abstraccionismo, el concretismo, el neoconcretismo y la op-art se convirtieron en algunas de las tendencias de la época. Y los artistas japoneses fueron de los pocos participantes que asistieron a todos los eventos de la Bienal de São Paulo.
Los diversos alumnos de Takaoka y Kaminagai, en su mayoría japoneses, evolucionaron en sus propios caminos, figurativos o no. Hubo el tiempo que participaron del Grupo Seibi y del Grupo Guanabara, y hubo el tiempo que siguieron sus tendencias sean abstractas, sean expresionistas. Por ejemplo, Flavio-Shiró, expresionista, que hasta hoy realiza una obra intensa y emocionante. Sin embargo, en la historia del arte japonés-brasileño se destacan dos nombres japoneses que merecen especiales comentarios, dada su importancia para el escenario brasileño. Manabu Mabe y Tomie Ohtake, artistas contemporáneos, participaron en la segunda fase del Grupo Seibi y también del Grupo Guanabara. Mabe llegó a Brasil en 1934 y fue alumno de Takaoka, y Tomie llegó a Brasil en 1936 y fue alumna de Keisuke Sugano.
De forma natural, los artistas japoneses se identificaron con el abstraccionismo. La pintura abstracta les permitió que se entregaban plenamente a la síntesis de los colores y de las formas, en una vertiente predominantemente oriental. Como dice Tomie Ohtake, “pocos elementos deben decir mucho” y nos explica que su inspiración viene de la noción de tiempo del ukiy-o, que significa imágenes del mundo que pasa. Ella nos enseña cómo mirar sus obras que revelan esta belleza fugaz, pero permanente.
La tradición oriental, el silencio, la discreción, el equilibrio de las obras abstractas de Manabu Mabe y Tomie Ohtake proporcionan, hasta hoy, el deslumbramiento de quien se involucra y se encanta con la simplicidad de las formas. Mabe se adhirió a la abstracción en 1955, con la obra abstracta Vibración-Momentánea. En 1959 participó en la V Bienal Internacional de São Paulo, con las obras Composición Móvil, Pieza de Luz y Espacio Blanco (todas de aquel año) y recibió el premio al Mejor pintor nacional.
En el año 1961, surgió un nuevo personaje en el arte abstracto nipo-brasileño con la llegada de Kazuo Wakabayashi a Brasil, más precisamente para São Paulo. Él buscó a Manabu Mabe y Tomie Ohtake con una carta de presentación del artista japonés Waichi Tsudaka y se integró al Grupo Seibi, presentado por ellos. Se inició una serie de participaciones en los principales eventos artísticos de la ciudad, incluyendo como miembro del jurado del 10 ° Salón del Grupo Seibi de Artistas Plásticos, salón en el que ganó la Gran Medalla de Oro, en la edición de 1963, además de ser premiado en varias ediciones De la Bienal Internacional de São Paulo. Pintor abstracto, sus obras resultan de la investigación de materiales y texturas diferentes, además de la utilización de técnicas mixtas, con la predominancia de colores oscuros.
Pero es en Ohtake, icono del arte nipo-brasileño, que la importancia de ese segmento se ha vuelto clara y evidente. Tomie Ohtake se destacó, además de sus pinturas, por las diversas obras públicas que están presentes en varias ciudades brasileñas como el panel pintado en la empena del Edificio Santa Mónica, en la Ladeira da Memória, en São Paulo hecho en el año 1984; La escultura Estrela do Mar, asignada en la Lagoa Rodrigo de Freitas, en Río de Janeiro en 1985; La escultura en homenaje a los ochenta años de la inmigración japonesa en Brasil, en 1988 en plena avenida 23 de mayo, y los paneles en el Memorial de América Latina y en la estación del metro Consolação, en São Paulo en el año 1991; Las esculturas en un parque industrial en la ciudad de Araxá, Minas Gerais, y además, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo en 1999 y en la plaza Profesor José Lannes, en São Paulo.
La importancia del trabajo de estos artistas, a partir de la década de 1960, y en el caso de Tomie Ohtake hasta hoy, fue fundamental para entender la evolución de la mirada hacia el arte brasileño, y la maduración del espectador como la representación de los elementos plásticos más diversos.
De todo este caminar de las artes, con énfasis en el recorte nipo-brasileño, se concluye por la contribución fundamental de estos artistas a la cultura y las artes de Brasil. De una simple iniciativa en 1935, exactamente setenta años atrás, de los breves y silenciosos encuentros realizados casi a la vista de lo cotidiano, hasta las premios y el reconocimiento de los renombrados artistas japoneses que hasta hoy están presentes en nuestro medio artístico, ha sido un largo y persistente camino No menos tortuoso que sensible, no menos envolvente que emocionante. Un encuentro que suavizó la distancia y promovió la integración, la búsqueda por la representación intensa y envolvente de quien se expresa con arte.
El arte nipo-brasileño, un encuentro que funcionó en Brasil … Un encuentro que enriqueció nuestra cultura y alentó a nuestros mayores pintores a producir una obra inigualable.

Por el rescate multicultural …

Por la expresión del hombre – inmigrante.

Armonía y hermosa.

Simplemente, Brasil.

Simplemente, Japón.